日本水墨画

こんにちは。皆さんは水墨画を知っていますか？ほとんどの人は言葉として知っているだけだと思います。イメージとして多様な色彩を使っている水彩画、油絵などに比べて、「地味」なイメージを持っているでしょう。それは、学校の授業で絵具を使ったことはあっても、水墨画を描いたことがあるというひとは少ないからでしょう。そんなパッとしない水墨画のイメージをこの博物館で少しでも水墨画について知ってもらえて、変えられるような体験となれば幸いです。

水墨画に限らず、絵というものはジャンルは同じでも人、時代それぞれ画法、技法は必ず違うものです。そこに～派がうまれ、同じ題材でも全く違う絵に見えます。すべての形象が墨一式で表現された抽象的かつ象徴的な絵画をご堪能ください。

まず、水墨画とは墨を主顔料に、これの濃淡や潤渇の度合いによって、人物や動物、山川草木など森羅万象を描き出そうとしたもので、基本的に墨一式で表現された東洋絵画の一形式です。

水墨画に日本の「和」のイメージがもしかしたらあるかもしれませんが、発祥は中国で唐代に成立したものです。そのため、中国の水墨画の歴史は当然日本よりも長く、非常に興味深いですが、今博物館は主に日本の水墨画文化について展示しております。申し訳ございません。

日本に水墨画の様式は鎌倉時代に禅とともに伝わりました。日本に伝わった絵画は、『達磨図』・『瓢鮎図』どのように禅の思想を表すものでしたが、徐々に変化を遂げ、「山水画」も書かれるようになりました。日本における水墨画の技法は中国から流入したものですが、必ずしも中国における主流の様式だけが受容されたわけではなく、また独自の道徳観や文化観とも相まって中国の水墨画とは異なる道をたどることとなり、甘く柔らかな味わいを持つ独自の「墨絵」となったのです。

館長からの一言

水墨画に興味がない人でも一度は見たことがあるのではないでしょうか。よく見かけるのは冬景の方だと思います。

この絵画は1953年に国宝に指定されており、室町時代・15世紀末～16世紀初に雪舟等楊、通称雪舟によって描かれたものです。室町時代は日本の水墨画の全盛期であり、その集大成といえるものがこの絵画なのです。皆さんはこの二編からなる絵画を見て何を感じますか？これが国宝と思ったひともいるかもしれません。

私が見てほしい点は、冬景の山に描かれた力強く描かれた線です。断崖を描いているはずの線なのですが、上のほうは天に消えていくように途切れてしまっています。また、下のほうに行くと山の稜線のように描かれていて、不思議な空間を創出しています。この線と周囲の描写との関係は、見れば見るほどわかりにくくなっていくばかりです。これは中国でよく使われる技法で、何を描こうとしているのかではなく、線と形による構成で見る人の心をとらえるための効果を狙ったものなんです。この絵画は抽象画的な要素を秘めているといってもいいでしょう。

館長の一言

狩野正信は、一個前の雪舟と同じ時代の画家であり、狩野派の設立者です。雪舟の絵と比較すれば筆のタッチ、構図、明暗などなど違いは一目瞭然です。同じ時代と同じ山水図という題材でも描く人が違ければ全く違うことを感じさせられます。

館長の一言

この作品も雪舟の作品同様、国宝に指定されています。見て分かる通り、この作品は墨以外の色も使われています。水墨画にはこのように淡彩を施す場合もあるんですよ。周茂叔は、中国宋代の大儒周惇頤のことで、ことのほか蓮花を愛でたという故事から、文人好個の画題とされているんです。本図は近景に三本の高い松を配し、その下辺に竹林中の小庵や周茂叔が水辺に船を浮かべ蓮を愛でるところなどを描いて中景とし、後景中央に主山を高く聳え立たせる図様で、その構図は「水色巒光図」（個人蔵）のような周文系書斎図を踏襲するのが明らかです。主峰や三本の松の形態も両図似通っています。しかし、前者が輪郭線や皴に渇いた焦墨の鋭い細筆を使って枯淡の趣を呈するのに対し、本図では、やや硬く勁い明確な描線を用いて墨も潤沢となり、前景と後景との自然な距離感が保たれるなど、その可視効果は近世への接近を思わせる、非常に奥深い作品です。

館長からの一言

勢いのある筆の動きと墨(すみ）の濃淡だけで、靄（もや）のなかに浮かび上がる松林を表現しています。　じっと見ていると、立ち込める靄が動いたり、光がこぼれたり、ざわざわと風の音がしたりしませんか？松の木の形を緻密（ちみつ）に写すというよりは、その場の空気をリアルに感じられるところがこの作品の魅力、日本水墨画の最高峰といわれる理由です。　よく見ると、松林の奥には、遠く雪山が薄っすらと描かれています。季節は冬へと向かう晩秋でしょうか、それとも雪解けの春でしょうか。描かれたのは、等伯（とうはく）の故郷、能登半島の浜辺にある松林だという説もあれば、古くからの画題である天橋立（あまのはしだて）や、三保（みほ）の松原（まつばら）ではないかという説もあります。そのほかにも、この絵にはいくつかの謎が指摘されています。向かって右の屏風、右隻（うせき）の右端で切れた松が、左隻（させき）の左端に描かれた枝先につながっているように見えます。つまり、元は左右が逆だったのではないか。紙の継ぎ目が横一線につながらないことや、通常より粗末な紙を使っていることから、実は下絵だったのではないか。いやいや、それにしてはいい墨を使っている、など、研究者の間では様々な意見が出されています。もちろん正解はありません。見る人それぞれの感性で、それぞれの心の風景とリンクさせながら、じっくりと味わってみてください。　そこで、この絵を見るコツをひとつお教えします。屏風の前に立ったら少し前後に動いて、絵の中の地面と、自分の立っている床面とが重なるところを探してみてください。まるで絵の中の松林に入っていくかのように感じられるはずです。

館長からの一言

この作品は洋画家が描いた水墨画というのがポイントです。描かれている内容が諸外国と交流を始めたての江戸時代そのままですよね。象の光沢はさすが洋画家でとても美しく描かれています。水墨画の要素として構図を見てみると、上部の空間を意図的に使っていますね。これまで見てきた作品でもこのような構図はありましたよね。「周茂叔愛蓮図」です。そもそもの題材が象を捕まえる洋人ということで、水墨画の自由度が感じられるとともに、洋画家が描いたからこその枠にとらわれない特徴が出ていますね。

この展示は以上になります。水墨画に触れてみていかがでしたか。圧倒された人もいればそうでない人もいたかもしれません。芸術はひとそれぞれなのがいいところです。この博物館で少しでも水墨画に興味を抱いてくれたら、願わくば筆を取っていただければ幸いです。お疲れさまでした。

親子で水墨画体験教室　〜小学生以上のお子さんから参加可能〜

神奈川県藤沢市片瀬江ノ島駅　2500円

青梅市民美術館(青梅市滝ノ上町)10月6日～10日

アメリカ人水墨画家のコール・ノートンさんが主宰する人物デザイン教室のアート展「人が人を 描き続ける事で 見えてくるもの」