Bellflower

There are the Seven Herbs of Spring and the Seven Herbs of Autumn, each group consisting of seven herbs of the season

Kakitsubata, one type of Japanese iris, blooms in early summer into a pretty purple flower and has been cultivated since traditional times; the word kikitsubata is also familiar as a seasonal word

A plant familiar in Japan that lends its name to yamabuki-iro, the traditional Japanese color of golden yellow

The Japanese term aoi includes such diverse species as tachi-aoi (Alcea rosea), fuyu-aoi (Malva verticillata), and futaba-aoi (Asarum caulescens). The aoi is also well known as the motif of the Tokugawa family crest and as the theme of the Hollyhock Festival in Kyoto

This flower, abundant in Japan, appears in the crest of the imperial family and is also the national flower of Japan

A flower, along with the rose, that has been popular since long in the past in the East and West alike; many cultivars have been developed from lilies native to Japan

A major flowering tree native to Japan in the Theaceae family, known in Europe as “winter’s rose”

The peony, an outstanding flower representative of Asia, comes in many varieties cultivated from ancient times

Embracing Autumn in Japan with Traditional Seasonal Words

『万葉集』は現存最古の和歌集である。山上憶良が秋の七草にについて詠んだ二首「｢秋の野に 咲きたる花を 指折りかき数ふれば 七種の花｣｢萩の花 尾花 葛花 瞿麦の花 女郎花 また藤袴 朝顔の花」の朝顔は、現在の桔梗とするのが定説となっている。

清少納言 [著]

『枕草子』は、作者である清少納言が仕えた中宮定子の後宮生活での体験や見聞、自然・人事に対する感想などを記した平安中期の随筆。桔梗については、「草の花は、撫子、唐のはさらなり、大和のもいとめでたし。をみなえし。桔梗。あさがほ。かるかや。菊。つぼすみれ。」と、朝顔や菊と共に紹介している。

寺島良安尚順 編

『和漢三才図会』は、江戸時代の図解入り百科事典。「山草類」の項に桔梗が掲載されており、「和名は阿里乃比布木（ありのひふき）」、「紫碧色で非常に牽牛花（あさがお）に似ている」とある。編者は大坂の医師である寺島良安で、30余年の歳月をかけ正徳2年（1712）ごろに完成。天文、人倫から草木まで96類に分け、各事物を平易な漢文で完結に説明している。

貝原益軒

江戸時代の本草学者・貝原益軒による本草書で、花の咲くものを主に約二百種の植物を掲載している。桔梗の項では、「紫白二色あり」「八重もあり」と記されてる。

建部由正

『備荒草木図』から「桔梗（ききやう）」の図。『備荒草木図』とは、一関 （ いちのせき ） 藩の藩医を務めた建部清庵による、飢餓の際に食糧となる植物をまとめた書。食用として利用可能な100余の植物の調理法が記され、同じく一関の藩士・北郷子明（きたごうしめい）が写生した草木図が載せられ、文字の読めない者でも植物を探せる配慮がなされている。桔梗については、若芽を茹でて水に浸し、度々水を換え苦味を除き、塩や味噌で調味して食すと記されている。

金井紫雲 著,芸艸堂

大正から昭和にかけて活動した美術記者・金井紫雲（1887～1954）の著書。「東洋を原産とした花で、これまで藝術界に交渉の深いもの五十種を選びその藝術的方面を研究しようと試みた」もので、桔梗の項がある。

金井紫雲 編,芸艸堂

大正から昭和期にかけて活動した美術記者・金井紫雲による、秋草についてまとめた書。桔梗の項では、桔梗の形態、種類、文學、紋などについて述べられている。

楳嶺,大倉孫兵衛

江戸時代末から明治初期にかけて活躍した日本画家、幸野楳嶺（こうのばいれい）による絵手本集『楳嶺花鳥画譜』から「桔梗・鶏」。『楳嶺花鳥画譜』は、大倉陶園の創業者・大倉孫兵衛が 陶磁器業を始める以前に家業としていた大倉書店より出版されたもので、幸野楳嶺が得意とする写生的な花鳥画を33作品収録している。

[幸野楳嶺 筆],芸艸堂

江戸時代末から明治初期にかけて活躍した日本画家、幸野楳嶺（こうのばいれい）の『梅嶺画鑑』より「桔梗」の図。花鳥、動物、魚虫、人物などを描いた作品集。

岩崎常正＜岩崎潅園＞//著

『本草図譜』から、「桔梗（きちかう）」の図。和名は「ありのひふき」。桔梗は数種あり、花は碧色、白花、淡黄色のもの、また紫白雑色、重弁、千弁、扇子桔梗などがあると解説されている。『本草図譜』は文政11年（1828）に刊行された、江戸時代の代表的な植物図譜。筆者である岩崎灌園の実見した約2000種の植物を写生・彩色して、山草・湿草・毒草などに分類している。

岩崎常正＜岩崎潅園＞//著

『本草図譜』から、「紫白絞」「薄紅の物」「糸桔梗」の図。

『本草通串証図』より「兎耳桔梗」と「紫花紋桔梗」の図。『本草通串証図』は越中国富山藩の老公前田利保（1800-1859）の命で作成された植物図譜で、図は藩の絵師・山下守胤らによって描かれた。収録されている緑色の八重咲きや、花びらが外側に丸まりウサギの耳のように見える「兎耳桔梗」、花が平皿のような「紋桔梗」は、今は品種が絶えており見ることができない。

狩野織染藤原重賢＜狩野重賢＞//〔画〕,写

江戸前期の花木・草花図譜『草木写生 秋 上』から「桔梗」の図。作者の狩野重賢は狩野家の系図には見出せず、経歴などは不明。

毛氏江元寿梅園直脚＜毛利梅園＞//書画并撰著,写

『梅園草木花譜 秋之部』から「桔梗」の図（右）。本書は春4・夏8・秋4・冬1の計17帖から成り、約1300品を収録した江戸時代屈指の植物図譜。

飯沼長順,出雲寺文治郎[ほか12名]

『草木図説』から「桔梗」の図。『草木図説』は日本初のリンネ分類による植物図鑑で、草部20巻、木部10巻から成る。本図が収録されている草部は安政3年（1856）から文久2年（1862）にかけて刊行された。花の拡大図や解剖図を付した点も画期的であった。

橘保國 畫圖,芸艸堂

江戸時代中期の大坂の絵師・橘 保国（たちばな やすくに）による草木画集『畫本野山草』より「桔梗」の図（中央）。花期・花色・形状などは図とは別の頁に詳しく記されている。宝暦5年（1755）刊だが、掲出本は文化5年（1808）に芸艸堂により後刷されたもの。

葛飾北斎筆,By Katsushika Hokusai (1760-1849),東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This print is part of Hokusai's first genuine series of bird-and-flower prints. The dragonfly is drawn in a detailed and dynamic style.<br /></p>

広重〈2〉（立祥）, 蔦屋吉蔵

江戸時代末期から明治初期にかけての浮世絵師・二代 歌川広重（喜斎立祥）による作品で、広尾原に咲く桔梗を描いたもの。『三十六花撰』では江戸の花の名所として、36種の花が取り上げられている。

2代目安藤広重,ニダイメアンドウヒロシゲ

江戸時代の浮世絵師、二代歌川広重による錦絵の揃物「諸国名所百景」の一つ。初代広重の門人で、師の亡き後その画風を継承した二代広重が、安政6年（1859）から文久元年（1861）にかけて制作した。版元は、初代広重晩年の作「名所江戸百景」を出版した魚屋栄吉。「桔梗の原」は天文年間（1532～55）に武田信玄と小笠原長時が相対した合戦場で、左にある「勘助子そだての松」は、合戦の最中に山本勘助が乳児を救い、その根元に置いて戦の後に戻ったところ、松の葉から落ちる雫を母親の乳房から出る乳のように口に含んでいたという伝説がある。その後、中山道の一里塚が築かれた。江戸日本橋の基点から59番目、江戸へ55里、京へ85里の道標で、塩尻市宗賀平出には、道を挟んだもう一方の塚が松の木とともに残されており、現存する数少ない一対の一里塚である。絵では、桔梗の花咲く道端に座り、一服する旅人の姿もある。

伝 俵屋宗雪,Attributed to Tawaraya Sosetsu

左隻に白菊、野紺菊などの野菊を中心として、桔梗、女郎花、萩、芒、南天、藪柑子などの秋から冬にかけての草花、右隻にたんぽぽ、芥子、野あざみ、すみれ、つつじ、紫陽花、つくし、蕨といった春から夏にかけての植物を描く。横長の金地画面をいっぱいに使って、地面を描かずに一つ一つの植物を点在させる装飾的な表現は琳派が得意としたもの。精細に描写された草花は生き生きとした生命力を宿している。

作者不詳,Artist Unknown

武蔵野図は近世初期のやまと絵系諸画派に好まれた画題で、一般に風情あふれる武蔵野の原野を描いたものを指す。武蔵野は古く『万葉集』や『伊勢物語』にもその名が見え、見渡すかぎりの草叢が広がっていたと想像される。本図は江戸時代に同図が定型化していく前の段階にある作品である。月と秋草の図は古くは平安時代より愛好されたテーマの一つ。芒の群生の中に、朝顔、桔梗、野菊などの花が姿を見せ、右隻には釣屋、左隻には農家の屋根も見える。

酒井道一,Sakai Doitsu

背景に水の流れを敷き扇面をバランスよく配置した精錬な雰囲気は、琳派に脈打つ粋の精神を感じさせる。扇面図は江戸の庶民の間で文化が熟すにつれ、その需要が増したという。本図に見られるような扇面図屏風もそうした進歩発展の中で大いにもてはやされた。俵屋は扇の製作でも有名であったと見られ、以来、宗達をはじめ酒井抱一を中心とした江戸琳派の中でも一種の伝統的な図案として定着した。扇面の図案としてはタンポポ、梅、竹、百合、牡丹、松、桔梗、水仙といった四季を代表する植物に加え、富士を背景とした山水図が１点見られる。

広重〈1〉, （江戸屋松五郎）

江戸後期の浮世絵師、歌川広重の描いた桔梗。歌川広重は代表作「東海道五十三次」をはじめ、多くの名所絵や風景画を手掛け地位を確立したが、一方で花鳥画にも優れた資質を見せ、情緒あふれる佳作を残している。

広重〈1〉,-, -

江戸後期の浮世絵師、歌川広重の描いた桔梗と翡翠。

土佐光起,京都国立博物館 Kyoto National Museum

<p>今尾景年旧蔵の作品で、もとは風炉先屏風であったという。画面は中央付近で巧妙に継がれており、掛軸への改装の際に画面が横方向に縮められたものとみられる。鶉や菊花の描写はきわめて精細で、光起の優れた画技を示す優品である。景年の子、景祥の箱書きをともなう。</p>

筏井竹の門

「四石山人（白文方印「四石」）」。

英山

90×140

1908(明治41)年9月12日（年消印、月日書入） 桔梗 と河原撫子の絵

武内桂舟,巌谷小波, 春陽堂

勝月,印刷発行者　日本橋区通三丁目十三バンチ　小林鉄次郞 小林　鉄次郞

長原孝太郎,ながはらこうたろう,NAGAHARA Kotaro

東京国立博物館,Tokyo National Museum

重要文化財。蓋の表の近景に、桔梗、菊・撫子・など秋の草花が描かれている。 蓋の表裏の図様中に文字を隠して、「なほ照らせ代々にかはらず男山　仰ぐ峰より出る月影」（『続後撰和歌集』）の歌意を示している。古典文学に取材した意匠を、肉合研出（ししあいとぎだし）蒔絵をはじめ高（たか）蒔絵・平（ひら）蒔絵・平文（ひょうもん）などの高度な技巧で表現した、室町時代蒔絵の名品である。 筆記に用いる硯や筆などの道具を納めるための箱が「硯箱」です。こうした箱は、日本では10世紀ころより作られ始めたと考えられています。硯箱の多くは木製で、表面に漆を塗ったり、金粉で文様を表す「蒔絵」や、文様の形に切った貝を貼り付ける「螺鈿」で装飾した作品も登場しました。しだいに内容品の種類は整理されるとともに、箱の内外や内容品のデザインの統一が図られ、コンパクトにまとまった硯箱が作られるようになりました。やがて硯箱は、文房具では必須のアイテムとなり、貴族、僧侶、武家など文字を使う有力者の間では、洗練されたデザインと高度な装飾技法を用いた硯箱が好まれました。 では作品を見てみましょう。全体は木製で、表面に漆を塗り、金粉を蒔き付ける「蒔絵」の技法でデザインが表されています。硯の上には、瓜の実をかたどった銅製の水滴（すいてき）があります。水滴は、硯で墨をするさいに使う水を入れておく容器です。硯の左右には、取り外しの出来る底の浅い容器が２つ配置されています。もとはこの中に、筆や小刀（こがたな）などが置かれていたのでしょう。蓋の表は、遠景に山々と月、近景に菊・撫子（なでしこ）・桔梗（ききょう）など秋の草花が描かれます。これに対して蓋の裏から身の内側にかけては、流水のほとりに建つ建物が表されています。蒔絵は、部分に応じて、金粉を高く低く蒔き、あるいは線を描くなど、多彩な技法が駆使されています。大小の金属の板をはる「截金」（きりかね）や「平文」（ひょうもん）も見られます。蒔絵の技法がほぼ出そろい、またコンパクトで洗練された硯箱が多く制作された15世紀の制作と考えられています。　ところどころに、文字の形に切った銀の板がはられています。これは、11世紀後半から12世紀前半に活躍した貴族の源雅実（みなもとのまさざね）が、京都の男山を主題として読んだ和歌「なおてらせ　よよにかわらず　おとこやま　あおぐみねより　いずるつきかげ」から、いくつかをとったものです。このことから、蒔絵のデザインも和歌に基づいたものであることがわかります。このように、物語や和歌などの古典文学を題材として絵画化し、また文字自体をデザインの一部として取り込むやり方は、日本美術によくみられる特色です。

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>The wealthy educated classes stored brushes and other writing tools in elaborately lacquered boxes like this one. On the surface, a full moon rises above bush clovers, balloon flowers, and other autumn plants. The moon is depicted with a solid piece of gold, while the other elements are rendered in metallic powders suspended in lacquer.<br /></p>

中島美水

中島美水作の桔梗文が施された彫金手板である。扇形の板には、白色の桔梗の花が彫られている。 　扇面右端に「美水」の刻銘、「美」の刻印がある。

中国・龍泉窯,Longquan ware, China,東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>元時代に焼かれた龍泉窯青磁の花入。下蕪形の胴部から鎬立ち、花弁がひらくように口が外反したこの形は、室町時代に「キキヤウグチ（桔梗口）」と分類されていたことが伝書に知られます。韓国新安沖引揚資料に青銅製の類例がありますが、青磁の伝世品は稀少です。<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This altar was made for the export market. The lacquering was done in Japan and the mosaic in Mexico, which was part of the Spanish Empire at that time.<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This water pitcher was used in combination with a basin when applying makeup or washing one’s hands and face. Its decoration of delicate autumn grasses and chrysanthemums exemplifies Kōdaiji lacquer. This decorative style, named after a Zen temple in Kyoto, became popular among samurai women in the late 1500s.</p>

The Chinese bellflower, a bloom of early autumn, was the most favored and widely used motif, frequently found on lacquer makie, porcelain, dyed textiles, and other arts and crafts. The Japanese name for these flowers is &ldquo;kichiko,&rdquo; a term phonetically similar to &ldquo;aki-chiko,&rdquo; or &ldquo;early autumn.&rdquo; This phonetic association has been frequently adopted as a pun in Japanese poems since ancient times.

五十嵐派,By the Igarashi school,東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This elaborate box was owned by a prosperous samurai clan known as the Maeda. Being patrons of the arts and literature, they used it to store a copy of [Collection of Japanese Poems Ancient and Modern], Japan’s first imperial poetry anthology. The box comes from the workshop of Igarashi, a master lacquer artist who served the Maeda in the 1600s.</p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This is a makeup set for an affluent woman, though its original owner remains a mystery. Inside are two tiers: the upper was used to store a bronze mirror with a handle, while the lower held combs, face powder, and other cosmetics. The autumn plants decorating the surface are rich in poetic and symbolic meaning, such as longevity.</p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>These kind of racks were used to hang cloths for wiping one's hands when washing one's face or applying makeup. This style of [maki-e] design was popular at the beginning of the early modern period.(170926_h12)<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This box was used to store writing implements, such as an inkstone and a brush. It is made of lacquered wood and features designs rendered in maki-e, a technique that involves applying a design in lacquer and then sprinkling gold powder on top. When the lid is removed, it reveals an inkstone and water dropper on a shallow receptacle. The wooden sections above and below the inkstone are for holding a brush and a small knife.<br /><br />The surface of the lid features clouds and the moon on the top right. On the bottom right, a pillow decorated with a lion sits amid a field of autumn grasses including eulalia grass, balloon flowers, patrinias and thoroughworts, all traditionally beloved autumn motifs in Japan. The underside of the lid features a house surrounded by autumn grasses. We can see a man and a woman inside beating clothes with a wooden mallet called a kinuta. These implements were used to soften cloth and iron out creases. The sound of these mallets once echoed from many houses on autumn evenings, with the mallets eventually coming to symbolize autumn nights.<br /><br />The design utilizes a variety of lacquer and gold powder techniques, including raised and flat gold powder designs and fine lines formed by sprinkling gold powder onto narrow lines of lacquer. Actual gold and silver pieces have also been adhered in various places to striking effect. The skillful application of gold powder and the clear-cut shape of the box are impressive features.<br /><br />Hidden amidst the design on the lid are five Chinese characters rendered in silver powder. These are taken from a waka poem by Fujiwara no Toshimori, a noble who lived during the 12th century, during the Heian period. This suggests the designs are also based on that poem. As shown here, Japanese art often features designs based on stories and poems, with some designs even incorporating text from works of classical literature. Naturally, a certain degree of literary knowledge would have been needed to understand these references.</p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>　楾は、室内での洗面や化粧に使う手水道具。湯や水を注ぐためのもので、それを受ける角盥と揃いで使用する。表面には平蒔絵に絵梨子地を交えて菊、桔梗、女郎花などの秋草を賑やかに描いている。桃山時代に流行した高台寺蒔絵の典型的な作品である。<br /></p>

田口善国 (1923 - 1998),TAGUCHI, Yoshikuni (1923 - 1998)

京都国立博物館 Kyoto National Museum,Kyoto National Museum

京都国立博物館 Kyoto National Museum,Kyoto National Museum

京都国立博物館 Kyoto National Museum,Kyoto National Museum

六代清水六兵衞 (1901 - 1980),KIYOMIZU, Rokubei VI (1901 - 1980)

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>Red-toned [karaori] were worn by actors performing the role of middle-aged women with masks like [shakumi].<br /></p><br /><p>This karaori costume was used as a costume in Noh, a traditional Japanese performing art. Karaori are outer garments worn mainly by actors performing female roles, but the term originally referred to a type of fabric. The silk threads of the patterned sections are raised above the surface and appear embroidered, but are in fact woven; this and the rich and varied designs characterize Karaori.<br /><br />This garment features subdued tones like brown, blue and green, with red hues kept to a minimum. This type of costume is known as “without red.” It is worn together with shakumi (“oblique glance”) or fukai (“deep features”) masks to perform the roles of middle-aged or elder women grieving over the loss of a child or someone else dear to them. In contrast, Noh costumes with vermillion colors are known as “with red.” These costumes are worn by actors performing the role of young women. In this way, the designs and colors of Noh costumes are intimately linked to their roles.<br /><br />This costume features autumn grasses like bush clovers, balloon flowers, patrinias, fringed pinks and chrysanthemums woven on to dark brown, brown and light blue checkered ground. These motifs often appear on costumes without color and highlight Japanese affection for symbols of impermanence.</p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>The word [karaori] translates as Chinese weave, but it actually refers to a type of brocade woven in Japan during the Muromachi period. [Karaori] garments are characterized by woven textures that resemble embroidery.<br /></p><br /><p>This is a costume used in noh, one of Japan’s traditional performing arts, and is called a karaori. Outer garments of this type are worn primarily when playing female roles. The term karaori originally referred to a type of high-quality textile woven in Nishijin, Kyoto. The designs may look like embroidery because the silk threads that compose them are slightly raised, but they are woven into the fabric. A rich variety of patterns with the appearance of embroidery is one of the distinguishing features of these garments.<br /><br />Costumes that make heavy use of red, like this one, are called “with red” and used for young female roles. On the other hand, costumes dominated by subdued colors such as brown, blue, and green that do not make prominent use of red are called “without red” and are primarily used for the roles of middle-aged and older women. The designs and color tone of noh costumes are intimately linked to the personality of the role being played.<br /><br />This costume is decorated with two patterns—autumn plants and bundles of small branches on a wave-patterned background and bamboo fences and decorative plants on a background of dew-covered eulalia grass—arranged like paving stones in a checkerboard pattern with variation in the colors of the designs and backgrounds. While the decorative plants consist of traditional autumn plant motifs frequently employed in Japanese art, such as autumn leaves, chrysanthemums, balloon flowers, pinks, and eulalia grass, they are skillfully arranged to form designs. The gleaming gold thread woven into the patterns of waves and eulalia grass in the midst of the costume’s red-leaning color tone and vibrant and varied colored threads adds an impression of elegance and opulence.</p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>A woman from a samurai household wore this robe. The patterns contain subtle references to scenes from a classical court romance, [The Tale of Genji].<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This long-sleeved summer garment was probably intended for a girl born into a warrior class family, as similar designs are found on garments for adult women of this class.(20170613_h101)<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This summer kimono was worn by a noblewoman or woman of the samurai class. The patterns were created by means of stencil dyeing and embroidery. <br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>This costume features patterns rendered in embroidery and metal foil. The embroidered flowers within the snowflakes testify to the lavish craftsmanship of Japanese needlework.<br /></p>

東京国立博物館,Tokyo National Museum

<p>The plain design of this sword mounting suggests that it was intended for use in battle rather than for ceremonies or gift-giving. A family emblem hidden inside the scabbard suggests that it was owned by Akechi Mitsuhide (died 1582), a treacherous samurai general who assassinated his master, Oda Nobunaga.</p>

兜は江戸時代前期。前立は、中期頃の作である。薄鉄板の五枚張の構成で、矧留鋲は小星である。前方正面の中心に一本角本を打ち、左右脇の下方に切鉄で丸に桔梗（ききょう）紋を打っている。作域は、薄鉄仕上げ、打ち出しは良好で、奈良の春日系の作と推定されている。

The engraving of a family crest characterizes this mirror. The use of family crests in Japan stems from an ancient aristocratic custom. When Heian nobility commissioned oxcarts, furniture, etc., they incorporated favored objects of their family into a design motif. After generations, the motif developed into a family crest. With the rise of warlords, family crests became indispensable to distinguish friend from foe on battlefields. During the Edo Period, the popularity of family crests spread among the merchant class and lay people, an occurrence which is reflected in the mirrors of the day.

藤原光長

Edo Period handled mirrors often carry the signatures of the mirror makers, and some names appear more frequently than others, such as the name Fujiwara Mitsunaga seen on this mirror. The more frequent the name, the more prolific the craftsman. However, upon close scrutiny of the differences in design between years and makes, some mirrors were obviously not made by the same person. One can only conclude that the name of the master craftsman was passed on and that generations of consummated mirror makers practiced under his name.

京都国立博物館 Kyoto National Museum,Kyoto National Museum

<p>Up through the 1100s, the custom of blackening one’s teeth with an iron solution was a feminine trend. Later, it spread among men of the imperial court and elite warrior class. In the Edo period (1615¬–1868), the practice was discontinued by men, but it became popular among commoners and soon came to symbolize married women.</p>

東京国立博物館

東京国立博物館,Tokyo National Museum